Mengfan Yang über Film, Dunkelkammerarbeit und die Sorgfalt hinter jedem Scan

Bei der Filmfotografie geht es nicht nur darum, den Auslöser zu drücken. Es geht auch um Vertrauen, Geduld, Chemie, Interpretation und Fürsorge.

Im Berlin Photo Studio arbeitet Mengfan Yang im Mittelpunkt dieses Prozesses. Als Fotografin und Masterlabor bewegt sie sich zwischen Bildherstellung, Filmentwicklung, Scannen, Dunkelkammerdrucken und Unterrichten. Ihre Arbeit verbindet technische Präzision mit einer ruhigen Sensibilität für Erinnerung, Licht und menschliche Absichten.

Bevor Mengfan sich ganz der Fotografie widmete, arbeitete Mengfan fast acht Jahre lang in der Technologiebranche, darunter für Unternehmen wie TikTok, Uber und Mobike. Aber ihre Sichtweise wurde schon viel früher durch die chinesische Kalligraphie geprägt: Gleichgewicht, Rhythmus, leerer Raum und die Beziehung zwischen Elementen auf einer Seite.

In diesem Interview sprechen wir mit Mengfan darüber, warum sie sich für den Film entscheidet, was im Labor passiert, was ein starkes Negativ ausmacht und warum analoge Fotografie immer noch eine so wirkungsvolle Möglichkeit ist, die Welt zu verstehen.

Interview mit Mengfan Yang

Können Sie sich vorstellen und uns erzählen, wie die Fotografie in Ihr Leben kam?

Mein Name ist Mengfan. Bevor ich Fotograf wurde, arbeitete ich fast acht Jahre lang als Produktmanager in der Technologiebranche bei Unternehmen wie TikTok, Uber und Mobike. Fotografie begann als etwas völlig Persönliches.

Ich bin mit der chinesischen Kalligraphie aufgewachsen, und ich glaube, das hat meine Art, Bilder zu sehen, geprägt. Kalligraphie lehrt Sie etwas über Balance, Rhythmus, Leerraum und die Beziehung zwischen verschiedenen Elementen auf einer Seite. Als ich schließlich eine Kamera in die Hand nahm, wurde mir klar, dass ich mit der Fotografie nach ähnlichen Dingen suchte.

Im Laufe der Zeit wurde die Fotografie mehr als nur ein Hobby. Es wurde zu einer Möglichkeit, Menschen, Orte und meine eigene Beziehung zur Welt zu verstehen. Schließlich verließ ich die Technologiebranche und beschloss, mich ganz der Fotografie und der Arbeit in der Dunkelkammer zu widmen.

Warum entscheiden Sie sich für die Arbeit mit Film?

Film verlangt nach einer anderen Art von Aufmerksamkeit.

Bei der digitalen Fotografie besteht oft die Versuchung, ständig zu überprüfen, anzupassen und zu wiederholen. Der Film schafft eine kleine Distanz zwischen der Aufnahme des Fotos und dem Betrachten des Ergebnisses. Diese Distanz zwingt mich dazu, meinen Entscheidungen zu vertrauen.

Mir gefällt auch die physische Natur des Mediums. Licht hinterlässt Spuren auf einem Stück Film. Dann durchläuft dieses Stück Film Chemie, Zeit und Handhabung, bevor es zu einem Bild wird. Der Prozess fühlt sich greifbar und lebendig an.

Am wichtigsten ist, dass es beim Film nicht nur um das endgültige Bild geht. Die gesamte Reise zählt.

Wonach suchen Sie normalerweise, wenn Sie mit einer Kamera unterwegs sind?

Ich bin normalerweise nicht auf der Suche nach dramatischen Momenten.

Ich interessiere mich für kleine Gesten, ruhige Interaktionen und Situationen, die Menschen oft übersehen. Dinge, die gewöhnlich erscheinen, aber eine gewisse emotionale Bedeutung haben.

Viele meiner Fotos entstehen durch einfaches Gehen und Aufmerksamkeit. Ich denke, beim Fotografieren geht es oft weniger darum, etwas Außergewöhnliches zu finden, als vielmehr darum, das wahrzunehmen, was bereits da ist.

Woher wissen Sie, wann ein Foto funktioniert?

Für mich funktioniert ein Foto, wenn es bei mir bleibt.

Technische Qualitäten sind wichtig, aber sie reichen nicht aus. Manchmal ist ein Foto unvollkommen, kommt mir aber Tage oder sogar Jahre später immer wieder in den Sinn. Das ist normalerweise ein Zeichen dafür, dass etwas Tieferes passiert.

Ein gutes Foto schafft Raum für den Betrachter. Es erklärt nicht alles. Es lässt Raum für Erinnerung, Fantasie und persönliche Interpretation.

Wie war Ihr erstes Erlebnis in einer Dunkelkammer?

Bevor ich die Dunkelkammer betrat, hatte ich zu Hause bereits Schwarzweißfilme entwickelt. Ich kannte den technischen Prozess und verstand, wie aus einem latenten Bild ein Negativ wurde.

Was mich überrascht hat, war das Drucken. Als ich zum ersten Mal sah, wie ein Bild langsam unter dem Dunkellicht auf Fotopapier erschien, fühlte es sich völlig anders an als beim Entwickeln eines Films. Bis dahin ging es in der Fotografie hauptsächlich um die Aufnahme und Bearbeitung von Bildern. In der Dunkelkammer wurde mir klar, dass das Anfertigen eines Abdrucks ein ganz und gar kreativer Akt ist.

Sie reproduzieren nicht mehr einfach nur ein Foto. Sie interpretieren es. Kleine Entscheidungen über Kontrast, Belichtung, Zuschneiden, Ausblenden und Brennen können die Wirkung eines Bildes völlig verändern.

Das war der Moment, in dem mir klar wurde, dass das Fotografieren nicht endet, wenn der Auslöser gedrückt wird. Der Ausdruck ist nicht nur eine Ausgabe. Es ist Teil der Sprache der Fotografie selbst.

Was bedeutet es für Sie, Master Lab im Berlin Photo Studio zu sein?

Es bedeutet Verantwortung.

Menschen vertrauen uns Erinnerungen an, die nicht wiederhergestellt werden können: Familienfotos, wichtige Reisen, persönliche Projekte und manchmal Bilder, deren Erstellung Jahre gedauert hat.

Mein Job besteht nicht nur darin, Filme zu entwickeln. Es geht darum, die Absicht des Fotografen zu verstehen und dabei zu helfen, das Bild in die bestmögliche Form zu bringen.

Mir gefällt die technische Seite der Arbeit, aber das Wichtigste ist, die Vision eines anderen mit Sorgfalt und Konsequenz zu bewahren und umzusetzen.

Was sehen Kunden beim Entwickeln und Scannen von Filmen normalerweise nicht?

Die meisten Leute sehen nur die endgültigen Scans.

Was sie nicht sehen, ist, wie viele Entscheidungen dazwischen getroffen werden. Temperaturkontrolle, Chemikalienmanagement, Rührmethoden, Dichtebewertung, Farbausgleich, Staubentfernung, Scannereinstellungen – jeder Schritt beeinflusst das Endergebnis.

Filmentwicklung wird oft als mechanischer Prozess beschrieben, in Wirklichkeit ist jedoch viel Interpretation erforderlich. Zwei Labore können dieselbe Rolle verarbeiten und deutlich unterschiedliche Ergebnisse erzielen.

Was fällt Ihnen als Erstes auf, wenn Sie ein entwickeltes Negativ betrachten?

Dichte.

Bevor ich über die Komposition oder den Inhalt nachdenke, schaue ich mir an, wie das Negativ Informationen enthält. Werden die Highlights kontrolliert? Sind die Schatten offen genug? Enthält das Negativ die gesamte vom Fotografen beabsichtigte Farbpalette?

Danach betrachte ich das Bild selbst und wie die verschiedenen Elemente interagieren.

Was ist der Unterschied zwischen einem technisch guten Negativ und einem emotional starken Foto?

Ein technisch gutes Negativ enthält Informationen.

Ein emotional starkes Foto hat Bedeutung.

Im Idealfall hat ein Foto beides. Aber wenn ich mich entscheiden muss, werde ich immer das Bild wählen, das in mir etwas auslöst. Technische Perfektion allein bleibt selten im Gedächtnis.

Viele der Fotos, an die wir uns im Laufe der Geschichte erinnern, sind aufgrund ihrer Technik nicht perfekt. Wir erinnern uns an sie, weil sie etwas Wahres über die Welt verraten.

Was macht Ihnen am Unterrichten analoger Fotografie am meisten Spaß?

Es macht mir Spaß, Menschen dabei zuzusehen, wie sie langsamer werden.

Viele Schüler sind nervös, weil sie Fehler machen. Von außen betrachtet kann ein Film kompliziert wirken. Dann, irgendwann während des Workshops, stellen sie fest, dass der Prozess viel zugänglicher ist, als sie es sich vorgestellt haben.

Der lohnendste Moment ist, wenn jemand zum ersten Mal seinen eigenen Film entwickelt und versteht, dass er es selbst machen kann. Es ist wunderbar, dieses Gefühl der Entdeckung mitzuerleben.

Wie würden Sie Berlin Photo Studio in Ihren eigenen Worten beschreiben?

Berlin Photo Studio ist ein Ort, an dem Fotografie praxisnah bleibt.

Es ist ein Raum, in dem Menschen lernen, experimentieren, Fehler machen, Fragen stellen und neugierig bleiben können. Wir arbeiten mit traditionellen Verfahren, sind aber nicht an Nostalgie als Selbstzweck interessiert.

Für uns ist es wichtig, Menschen dabei zu helfen, eine tiefere Beziehung zur Fotografie aufzubauen, egal, ob sie ihren ersten auf Film fotografieren oder an langfristigen künstlerischen Projekten arbeiten.

Was hoffen Sie, wenn die Menschen ihre Scans vom Berlin Photo Studio erhalten?

Ich hoffe, dass sie gespannt darauf sind, sich ihre Bilder anzusehen.

Nicht weil jedes Bild perfekt ist, sondern weil die Fotos immer noch das Gefühl des Augenblicks in sich tragen, in dem sie aufgenommen wurden.

Wenn jemand seine Scans öffnet und das Gefühl hat, dass die Bilder wie seine Fotos aussehen – nicht unsere Fotos, nicht die Interpretation eines Labors, sondern seine eigene Vision zum Leben erweckt – dann haben wir meiner Meinung nach unsere Arbeit gut gemacht.

Abschluss

Mengfans Arbeit erinnert uns daran, dass analoge Fotografie nicht nur ein Medium, sondern eine Beziehung ist.

Eine Beziehung zur Zeit, zu Fehlern, zur Chemie, zum Licht und zu den Menschen, die dem Labor ihre Erinnerungen anvertrauen. Hinter jedem Scan steht eine Kette von Entscheidungen, und hinter jeder Entscheidung steckt Sorgfalt.

Im Berlin Photo Studio wird die Filmentwicklung nicht als einfache Transaktion behandelt. Es ist Teil einer größeren fotografischen Reise – vom Moment der Aufnahme bis zu dem Moment, in dem es als etwas Sichtbares, Teilbares und Lebendiges zum Fotografen zurückkehrt.