Mengfan Yang parle du film, de l'impression en chambre noire et du soin apporté à chaque numérisation

La photographie argentique ne consiste pas seulement à appuyer sur le déclencheur. C'est aussi une question de confiance, de patience, d'alchimie, d'interprétation et d'attention.

Chez Berlin Photo Studio, Meng Fan Yang travaille au cœur de ce processus. En tant que photographe et Master Lab, elle évolue entre la création d'images, le développement de pellicules, la numérisation, l'impression en chambre noire et l'enseignement. Son travail associe la précision technique à une sensibilité discrète pour la mémoire, la lumière et l'intention humaine.

Avant de se consacrer pleinement à la photographie, Mengfan a travaillé pendant près de huit ans dans l'industrie technologique, notamment dans des sociétés telles que TikTok, Uber et Mobike. Mais sa façon de voir a été façonnée bien plus tôt, à travers la calligraphie chinoise : l'équilibre, le rythme, l'espace vide et la relation entre les éléments d'une page.

Dans cette interview, nous discutons avec Mengfan des raisons pour lesquelles elle choisit l'argentique, de ce qui se passe à l'intérieur du laboratoire, de ce qui constitue un fort négatif et de la raison pour laquelle la photographie argentique reste un moyen si puissant de comprendre le monde.

Entretien avec Mengfan Yang

Pouvez-vous vous présenter et nous raconter comment la photographie est entrée dans votre vie ?

Je m'appelle Mengfan. Avant de devenir photographe, j'ai travaillé pendant près de huit ans comme chef de produit dans l'industrie technologique, dans des entreprises comme TikTok, Uber et Mobike. La photographie a commencé comme quelque chose de complètement personnel.

J'ai grandi en pratiquant la calligraphie chinoise et je pense que cela a façonné ma façon de voir les images. La calligraphie vous apprend l'équilibre, le rythme, l'espace vide et la relation entre les différents éléments d'une page. Lorsque j’ai finalement pris un appareil photo, j’ai réalisé que je recherchais des choses similaires à travers la photographie.

Au fil du temps, la photographie est devenue plus qu’un passe-temps. C’est devenu une façon de comprendre les gens, les lieux et ma propre relation avec le monde. Finalement, j’ai quitté l’industrie technologique et j’ai décidé de me consacrer entièrement à la photographie et au travail en chambre noire.

Pourquoi choisissez-vous de travailler avec le cinéma ?

Le cinéma demande un autre type d’attention.

Avec la photographie numérique, on est souvent tenté de vérifier, d’ajuster et de répéter constamment. Le pellicule crée une petite distance entre la prise de la photo et la visualisation du résultat. Cette distance m'oblige à faire confiance à mes décisions.

J’apprécie également la nature physique du médium. La lumière laisse une trace sur un morceau de pellicule. Ensuite, ce morceau de pellicule traverse la chimie, le temps et la manipulation avant de devenir une image. Le processus semble tangible et vivant.

Plus important encore, le cinéma ne se limite pas à l’image finale. L’ensemble du voyage compte.

Lorsque vous sortez avec un appareil photo, que recherchez-vous habituellement ?

Je ne recherche généralement pas de moments dramatiques.

Je m'intéresse aux petits gestes, aux interactions calmes et aux situations que les gens négligent souvent. Des choses qui semblent ordinaires mais qui ont un certain poids émotionnel.

Beaucoup de mes photographies proviennent simplement de la marche et de l’attention. Je pense que la photographie consiste souvent moins à trouver quelque chose d’extraordinaire qu’à remarquer ce qui existe déjà.

Comment savoir quand une photo fonctionne ?

Pour moi, une photographie fonctionne quand elle reste avec moi.

Les qualités techniques comptent, mais elles ne suffisent pas. Parfois, une photographie est imparfaite mais revient sans cesse dans mon esprit des jours, voire des années plus tard. C’est généralement le signe que quelque chose de plus profond se produit.

Une bonne photographie crée de l'espace pour le spectateur. Cela n’explique pas tout. Cela laisse place à la mémoire, à l’imagination et à l’interprétation personnelle.

Comment a été votre première expérience dans une chambre noire ?

Avant d’entrer dans une chambre noire, j’avais déjà développé chez moi des pellicules noir et blanc. Je connaissais le processus technique et comprenais comment une image latente devenait un négatif.

Ce qui m'a surpris, c'est l'impression. La première fois que j’ai vu une image apparaître lentement sur du papier photographique sous une lumière inoffensive, c’était complètement différent du développement d’un pellicule. Jusqu’alors, la photographie consistait principalement à capturer et à traiter des images. Dans la chambre noire, j’ai réalisé que réaliser une impression est un tout autre acte créatif.

Vous ne reproduisez plus simplement une photographie. Vous l'interprétez. De petites décisions concernant le contraste, l'exposition, le recadrage, l'esquive et la gravure peuvent complètement changer la sensation d'une image.

C’est à ce moment-là que j’ai compris que la photographie ne s’arrête pas lorsque l’on appuie sur le déclencheur. L’impression n’est pas seulement une sortie. Cela fait partie du langage même de la photographie.

Que signifie pour vous être le Master Lab chez Berlin Photo Studio ?

Cela signifie responsabilité.

Les gens nous confient des souvenirs impossibles à recréer : des photos de famille, des voyages importants, des projets personnels et parfois des images qui ont pris des années à réaliser.

Mon travail ne consiste pas simplement à traiter des pellicules. Il s’agit de comprendre l’intention du photographe et d’aider à donner à l’image la meilleure forme possible.

J’apprécie le côté technique du travail, mais ce qui compte le plus est de préserver et de traduire la vision de quelqu’un d’autre avec soin et cohérence.

Qu’est-ce que les clients ne voient généralement pas dans le développement et la numérisation de pellicules ?

La plupart des gens ne voient que les scans finaux.

Ce qu’ils ne voient pas, c’est combien de décisions se produisent entre les deux. Contrôle de la température, gestion des produits chimiques, méthodes d'agitation, évaluation de la densité, équilibrage des couleurs, dépoussiérage, réglages du scanner : chaque étape influence le résultat final.

Le développement d’un pellicule est souvent décrit comme un processus mécanique, mais en réalité, il implique de nombreuses interprétations. Deux laboratoires peuvent traiter le même rouleau et produire des résultats sensiblement différents.

Que remarquez-vous en premier lorsque vous regardez un négatif développé ?

Densité.

Avant de penser à la composition ou au contenu, je regarde comment le négatif contient des informations. Les hautes lumières sont-elles contrôlées ? Les ombres sont-elles suffisamment ouvertes ? Le négatif contient-il toute la gamme de tons souhaitée par le photographe ?

Après cela, je commence à regarder l’image elle-même et la façon dont les différents éléments interagissent.

Quelle est la différence entre un négatif techniquement bon et une photographie forte en émotions ?

Un négatif techniquement bon contient des informations.

Une photographie émotionnellement forte contient du sens.

Idéalement, une photographie contient les deux. Mais si je dois choisir, je choisirai toujours l’image qui me fait ressentir quelque chose. La perfection technique reste rarement dans les mémoires.

La plupart des photographies dont nous nous souvenons tout au long de l’histoire ne sont pas parfaites en raison de leur technique. Nous nous en souvenons parce qu’ils révèlent quelque chose de vrai sur le monde.

Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans l’enseignement de la photographie argentique ?

J'aime regarder les gens ralentir.

De nombreux étudiants arrivent nerveux à l’idée de commettre des erreurs. Le cinéma peut paraître compliqué vu de l’extérieur. Puis, quelque part au cours de l’atelier, ils se rendent compte que le processus est bien plus accessible qu’ils ne l’imaginaient.

Le moment le plus gratifiant est celui où quelqu’un développe son propre pellicule pour la première fois et comprend qu’il peut le faire lui-même. Ce sentiment de découverte est merveilleux à voir.

Comment décririez-vous Berlin Photo Studio dans vos propres mots ?

Berlin Photo Studio est un lieu où la photographie reste pratique.

C'est un espace où les gens peuvent apprendre, expérimenter, faire des erreurs, poser des questions et rester curieux. Nous travaillons avec des procédés traditionnels, mais la nostalgie en soi ne nous intéresse pas.

Ce qui nous importe, c'est d'aider les gens à construire une relation plus profonde avec la photographie, qu'ils tournent leur première pellicule ou qu'ils travaillent sur des projets artistiques à long terme.

Qu’espérez-vous que les gens ressentent lorsqu’ils reçoivent leurs scans de Berlin Photo Studio ?

J'espère qu'ils se sentiront excités de regarder leurs images.

Non pas parce que chaque image est parfaite, mais parce que les photographies conservent l’impression du moment où elles ont été réalisées.

Si quelqu’un ouvre ses scans et estime que les images ressemblent à ses photographies – pas à nos photographies, ni à l’interprétation d’un laboratoire, mais à sa propre vision qui prend vie – alors je pense que nous avons bien fait notre travail.

Clôture

Le travail de Mengfan nous rappelle que la photographie argentique n’est pas seulement un médium, mais une relation.

Un rapport au temps, aux erreurs, à la chimie, à la lumière et aux personnes qui confient leurs souvenirs au laboratoire. Derrière chaque analyse se cache une chaîne de décisions, et derrière chaque décision se cache une attention particulière.

Chez Berlin Photo Studio, le développement de pellicules n’est pas traité comme une simple transaction. Cela fait partie d’un voyage photographique plus vaste – du moment où l’image est prise jusqu’au moment où elle revient au photographe comme quelque chose de visible, partageable et vivant.