La fotografia su pellicola non riguarda solo la pressione dell'otturatore. Riguarda anche fiducia, pazienza, chimica, interpretazione e cura.
Al Berlin Photo Studio, Mengfan Yang funziona al centro di questo processo. Come fotografa e Master Lab, si muove tra creazione di immagini, sviluppo di pellicole, scansione, stampa in camera oscura e insegnamento. Il suo lavoro collega la precisione tecnica con una silenziosa sensibilità per la memoria, la luce e l'intenzione umana.
Prima di dedicarsi completamente alla fotografia, Mengfan ha lavorato per quasi otto anni nel settore tecnologico, comprese aziende come TikTok, Uber e Mobike. Ma il suo modo di vedere si è formato molto prima, attraverso la calligrafia cinese: equilibrio, ritmo, spazio vuoto e relazione tra gli elementi su una pagina.
In questa intervista, parliamo con Mengfan del motivo per cui sceglie la pellicola, cosa succede all'interno del laboratorio, cosa rende un negativo forte e perché la fotografia analogica è ancora un modo così potente per comprendere il mondo.
Intervista a Mengfan Yang
Puoi presentarti e raccontarci come la fotografia è entrata nella tua vita?
Il mio nome è Mengfan. Prima di diventare fotografo, ho lavorato come product manager nel settore tecnologico per quasi otto anni, presso aziende come TikTok, Uber e Mobike. La fotografia è iniziata come qualcosa di completamente personale.
Sono cresciuto praticando la calligrafia cinese e penso che questo abbia plasmato il modo in cui vedo le immagini. La calligrafia ti insegna l'equilibrio, il ritmo, lo spazio vuoto e la relazione tra i diversi elementi su una pagina. Quando alla fine ho preso in mano una macchina fotografica, mi sono reso conto che stavo cercando cose simili attraverso la fotografia.
Col passare del tempo, la fotografia è diventata più di un hobby. È diventato un modo per comprendere le persone, i luoghi e il mio rapporto con il mondo. Alla fine, ho lasciato il settore tecnologico e ho deciso di dedicarmi completamente alla fotografia e al lavoro in camera oscura.
Perché hai scelto di lavorare con il cinema?
Il cinema richiede un diverso tipo di attenzione.
Con la fotografia digitale c’è spesso la tentazione di controllare, aggiustare e ripetere costantemente. La pellicola crea una piccola distanza tra lo scatto della fotografia e la visione del risultato. Quella distanza mi costringe a fidarmi delle mie decisioni.
Mi piace anche la natura fisica del mezzo. La luce lascia una traccia su un pezzo di pellicola. Quindi quel pezzo di film attraversa la chimica, il tempo e la manipolazione prima di diventare un'immagine. Il processo sembra tangibile e vivo.
Ancora più importante, il film non riguarda solo l’immagine finale. L'intero viaggio conta.
Quando esci con la macchina fotografica, cosa cerchi di solito?
Di solito non cerco momenti drammatici.
Mi interessano i piccoli gesti, le interazioni silenziose e le situazioni che le persone spesso trascurano. Cose che sembrano ordinarie ma che portano un certo peso emotivo.
Molte delle mie fotografie nascono semplicemente camminando e prestando attenzione. Penso che la fotografia spesso non consista tanto nel trovare qualcosa di straordinario quanto nel notare ciò che è già lì.
Come fai a sapere quando una fotografia funziona?
Per me una fotografia funziona quando resta con me.
Le qualità tecniche contano, ma non bastano. A volte una fotografia è imperfetta ma continua a tornarmi in mente giorni o addirittura anni dopo. Di solito è un segno che sta accadendo qualcosa di più profondo.
Una buona fotografia crea spazio per lo spettatore. Non spiega tutto. Lascia spazio alla memoria, all'immaginazione e all'interpretazione personale.
Com’è stata la tua prima esperienza in una camera oscura?
Prima di entrare in camera oscura, avevo già sviluppato a casa la pellicola in bianco e nero. Conoscevo il procedimento tecnico e capivo come un'immagine latente diventasse un negativo.
Ciò che mi ha sorpreso è stata la stampa. La prima volta che ho visto un'immagine apparire lentamente su carta fotografica sotto la luce di sicurezza, ho avuto la sensazione di essere completamente diverso dallo sviluppo di una pellicola. Fino ad allora, la fotografia riguardava principalmente la cattura e l’elaborazione delle immagini. Nella camera oscura, mi sono reso conto che realizzare una stampa è un atto creativo completamente diverso.
Non stai più semplicemente riproducendo una fotografia. Lo stai interpretando. Piccole decisioni su contrasto, esposizione, ritaglio, schermatura e bruciatura possono cambiare completamente l'aspetto di un'immagine.
È stato in quel momento che ho capito che la fotografia non finisce quando si preme l’otturatore. La stampa non è solo un output. Fa parte del linguaggio stesso della fotografia.
Cosa significa per te essere il Master Lab di Berlin Photo Studio?
Significa responsabilità.
Le persone ci affidano ricordi che non possono essere ricreati: fotografie di famiglia, viaggi importanti, progetti personali e talvolta immagini che hanno richiesto anni per essere realizzate.
Il mio lavoro non è semplicemente elaborare la pellicola. Significa comprendere l’intenzione del fotografo e contribuire a portare l’immagine nella sua migliore forma possibile.
Mi piace il lato tecnico del lavoro, ma ciò che conta di più è preservare e tradurre la visione di qualcun altro con cura e coerenza.
Cos'è qualcosa che i clienti di solito non vedono nello sviluppo e nella scansione delle pellicole?
La maggior parte delle persone vede solo le scansioni finali.
Ciò che non vedono è quante decisioni avvengono nel mezzo. Controllo della temperatura, gestione dei prodotti chimici, metodi di agitazione, valutazione della densità, bilanciamento del colore, rimozione della polvere, regolazioni dello scanner: ogni passaggio influenza il risultato finale.
Lo sviluppo della pellicola viene spesso descritto come un processo meccanico, ma in realtà sono coinvolte molte interpretazioni. Due laboratori possono elaborare lo stesso rotolo e produrre risultati notevolmente diversi.
Cosa noti per primo quando guardi un negativo sviluppato?
Densità.
Prima di pensare alla composizione o al contenuto, guardo come il negativo trattiene le informazioni. I punti salienti sono controllati? Le ombre sono abbastanza aperte? Il negativo contiene l'intera gamma di toni prevista dal fotografo?
Successivamente, inizio a osservare l'immagine stessa e il modo in cui interagiscono i diversi elementi.
Qual è la differenza tra un negativo tecnicamente buono e una fotografia emotivamente forte?
Un negativo tecnicamente buono contiene informazioni.
Una fotografia emotivamente forte contiene un significato.
Idealmente, una fotografia ha entrambi. Ma se devo scegliere, sceglierò sempre l'immagine che mi fa sentire qualcosa. La sola perfezione tecnica raramente rimane nella memoria delle persone.
Molte delle fotografie che ricordiamo nel corso della storia non sono perfette a causa della loro tecnica. Li ricordiamo perché rivelano qualcosa di vero sul mondo.
Cosa ti piace di più dell’insegnamento della fotografia analogica?
Mi piace guardare le persone rallentare.
Molti studenti arrivano nervosi perché commettono errori. Il film può sembrare complicato dall'esterno. Poi, da qualche parte durante il workshop, si rendono conto che il processo è molto più accessibile di quanto immaginassero.
Il momento più gratificante è quando qualcuno sviluppa la propria pellicola per la prima volta e capisce che può farlo da solo. È meraviglioso testimoniare quel senso di scoperta.
Come descriveresti Berlin Photo Studio con parole tue?
Berlin Photo Studio è un luogo in cui la fotografia rimane pratica.
È uno spazio in cui le persone possono imparare, sperimentare, commettere errori, porre domande e rimanere curiosi. Lavoriamo con processi tradizionali, ma non siamo interessati alla nostalgia fine a se stessa.
Ciò che conta per noi è aiutare le persone a costruire un rapporto più profondo con la fotografia, sia che stiano girando il loro primo rullino o lavorando su progetti artistici a lungo termine.
Cosa speri che le persone sentano quando ricevono le loro scansioni da Berlin Photo Studio?
Spero che si sentano entusiasti di guardare attraverso le loro immagini.
Non perché ogni fotogramma sia perfetto, ma perché le fotografie portano ancora con sé l'emozione del momento in cui sono state realizzate.
Se qualcuno apre le sue scansioni e sente che le immagini assomigliano alle sue fotografie – non le nostre fotografie, non l’interpretazione di un laboratorio, ma la sua visione portata in vita – allora penso che abbiamo fatto bene il nostro lavoro.
Chiusura
Il lavoro di Mengfan ci ricorda che la fotografia analogica non è solo un mezzo, ma una relazione.
Un rapporto con il tempo, con gli errori, con la chimica, con la luce e con le persone che affidano al laboratorio i propri ricordi. Dietro ogni scansione c'è una catena di decisioni e dietro ogni decisione c'è attenzione.
Presso Berlin Photo Studio, lo sviluppo della pellicola non viene trattato come una semplice transazione. Fa parte di un viaggio fotografico più ampio: dal momento in cui l'immagine viene scattata al momento in cui ritorna al fotografo come qualcosa di visibile, condivisibile e vivo.
