La fotografia ha permesso a Ethan Allen di restare vicino allo skateboard quando non poteva più praticarlo. Un infortunio alla caviglia, nei primi anni dell’adolescenza, lo aveva tenuto lontano dalla tavola, ma voleva continuare a passare tempo con gli amici. Nell’attesa di guarire, cominciò a fotografare loro e altri skater in città. Quello che era nato per restare parte di quel mondo diventò una pratica autonoma.
Lo skateboard continua a influenzare le sue fotografie, anche quando nell’inquadratura non compare una tavola. Gli ha insegnato a osservare l’ambiente costruito: forme, superfici e relazioni che altrimenti passerebbero inosservate. Quell’attenzione collega oggi la fotografia di architettura al suo still life. Più di recente ha sollevato anche una domanda: che cosa succede alle immagini che non rientrano nel lavoro che sai già fare?
Una città vista attraverso lo skateboard
Allen descrive gli skater come persone già insolitamente attente a ciò che le circonda. Percepiscono l’ambiente costruito in modo diverso perché lo attraversano diversamente. Nel suo lavoro, questa consapevolezza è diventata interesse per forme architettoniche e vedute astratte.
Portare una fotocamera intensifica la ricerca. Si ritrova a cercare allineamenti tra forme, colori e linee che si intersecano, osservando il rapporto della luce con l’ambiente. Un edificio diventa un insieme di relazioni possibili dentro l’inquadratura.
Il suo lavoro personale è centrato sull’architettura, mentre quello commerciale comprende still life e architettura. Il legame nasce da questo modo di osservare. Il soggetto può cambiare, ma resta l’attenzione a come le forme stanno insieme.
Dieci anni di Romance in Geometry
La sua serie Romance in Geometry è l’espressione più chiara di questo approccio. Allen vi lavora da dieci anni, fotografando dettagli architettonici in cui forme, colori e linee si uniscono in nuove immagini astratte. È il suo progetto più duraturo e continua a influenzare il modo in cui fotografa altri soggetti.
Il progetto lascia spazio anche a chi guarda. Allen spera che chi incontra il suo lavoro personale lasci vagare la mente tra le possibilità suggerite da dettagli e forme. Riconoscere l’edificio originario non è l’unico modo per entrare in una fotografia: le relazioni interne all’immagine possono diventare qualcosa da esplorare in sé.
Un ritmo più lento e la sensazione di uno spazio
«Trovo che l’analogico mi insegni la pazienza», dice Allen. Nella sua esperienza, lavorare su pellicola lo incoraggia a rallentare, considerare ciò che fotografa e riflettere su come affrontarlo. Descrive il processo come quasi meditativo.
È il racconto di ciò che l’analogico dà a lui personalmente. Le sue risposte mettono al centro attenzione e intenzione: concedersi il tempo di decidere che cosa conta prima di fare un’immagine.
Questa cura va oltre la disposizione delle linee. Fotografando interni e architettura, vuole evocare le sensazioni che uno spazio potrebbe suscitare. Lo attirano gli spazi di passaggio e le emozioni che possono produrre in chi guarda. Una fotografia può essere formalmente precisa e lasciare comunque aperta l’interpretazione della propria atmosfera.
Lasciare che un altro genere cambi l’immagine
Una fotografia dell’amico Tyjae sullo skateboard a San Francisco segna un passaggio importante. Il Golden Gate Bridge attraversa lo sfondo mentre Tyjae è in primo piano. Allen si sentiva meno ispirato dalle consuete angolazioni basse e dalle composizioni fisheye associate alla fotografia di skate tradizionale. Guardare altri generi gli offrì una nuova direzione.
Cominciò a chiedersi come sarebbe apparsa una fotografia di skate agli occhi di un paesaggista o di chi lavorava in un altro ambito. L’immagine poteva tenere insieme azione e ambiente. Per Allen, prendere in prestito quei modi di comporre allargò lo sguardo e incoraggiò altri esperimenti.
Lavorare come assistente di altri fotografi gli aprì possibilità diverse. Affiancare persone di cui ammirava il lavoro lo introdusse allo still life commerciale e alla fotografia di lifestyle. Approfondendo luce e composizione, unì quelle competenze all’approccio architettonico che stava già costruendo.
Fare spazio alle fotografie che non rientrano
Allen sta ora esplorando l’idea di fare più fotografie per ricordare. È consapevole della tensione tra registrare la vita e viverla, e non vuole passare l’esistenza a guardare attraverso un obiettivo. Ma la disciplina di fotografare solo con un’intenzione chiara può creare un altro limite.
È possibile, spiega, smettere di fare certe immagini perché non si capisce dove possano collocarsi nell’insieme del proprio lavoro. Quel rifiuto può chiudere una nuova strada prima ancora di aver avuto il tempo di scoprirla.
Nelle sue risposte la domanda resta aperta. Un progetto di lungo periodo può affinare un modo di vedere; le fotografie quotidiane possono lasciare spazio a qualcosa che non è ancora diventato un progetto. Allen cerca di accogliere entrambe le forme di attenzione nella propria pratica.
La sua storia offre una domanda utile da portare nel prossimo rullino: non stai scattando una fotografia perché non ti interessa o perché non rientra in ciò che fai già? Per Allen contano ancora le possibilità di un’immagine, che nascano da una forma architettonica familiare o da un momento che vuole ricordare.
Basato su un’intervista scritta per Developing Stories, la serie di Berlin Photo Studio dedicata alle persone e alle esperienze dietro le fotografie. Intervista e cura editoriale: Emiliano Vittoriosi / Berlin Photo Studio. Fotografie: Ethan Allen.
